Winziges Keuchen und Quietschen wich schreiendem und tosendem

Winziges Keuchen und Quietschen wich schreiendem und tosendem Applaus bei der Weltpremiere von Lin-Manuel Mirandas Regiedebüt Tick, Tick... Boom gestern Abend beim AFI Festival. Und das nur von einer der Zahlen. Wir werden die Überraschungen nicht verderben, aber sagen wir einfach, wenn Sie ein Musiktheater-Verrückter sind, werden Sie dieses Jahr keinen einzigen größeren Höhepunkt im Kino haben als während des "Sonntags" - Bühnenbildes. Dieses Lied von Rents allzu baldigem Komponisten Jonathan Larson ist ein personalisiertes albernes Riff zu Stephen Sondheims gleichnamigem transzendenten Lied von Sunday in the Park with George. 

Für diejenigen, die mit „Tick, Tick.." nicht vertraut sind... BOOM!" In seiner ursprünglichen Form war es ein Rockmonolog, den Jonathan Larson Anfang der 90er Jahre einige Male schrieb und aufführte...

Im Monolog ging es um sein eigenes Leben und die selbsternannte Berufung als "die Zukunft des amerikanischen Musiktheaters". Fünf Jahre nach seinem schockierenden Tod, genau an dem Tag, an dem "Rent" mit den Aufführungen Off Broadway begann, "tick, tick BOOM!" Einen eigenen Off-Broadway-Lauf hatte, der in ein Spiel mit drei Charakteren umstrukturiert wurde. Diese verworrene, vielgestaltige Entstehungsgeschichte ist vom Geist des Films geprägt. Lin-Manuel Mirandas temperamentvolle Adaption, geschrieben von Steven Levenson (Fosse/Verdon), spielt sich wie eine Collage aus Ideen, Einflüssen, Momenten, Fantasien und Erinnerungsstücken ab. Die Notizen eines Schöpfers kritzelten auf jedes praktische Papier.

Andrew Garfield lässt als junger Komponist, der versucht, sich einen Namen zu machen, alles durchhalten. Garfields große, huschende Augen, große Gesichtsausdrücke, lockere Gliedmaßen und seine emotionsintensive Leistung sind ein wahrer High-Wire-Act. Er riskiert Karikaturen, aber dann war Jonathan Larson allen Berichten zufolge ein „Charakter'. Die Aufführung beginnt so groß mit einer längeren Aufführung von "30/90" (Garfield wird in den Monolog-/Bühnenszenen von Broadway-Star Joshua Henry und Vanessa Hudgens unterstützt), dass ich befürchtete, dass er - und damit auch der Film - danach nirgendwo mehr hingehen könnte. Aber dann geht Garfield weiter dorthin, aber mit zunehmendem Flop-Schweiß... Ich meine das auf eine gute Art und Weise. Garfield fängt die zerfetzte verzweifelte und impulsive Energie eines Mannes ein, der voller Kreativität und am Rande der Größe steht und ebenfalls befürchtet, dass seine Zeit abgelaufen ist.

Larsons Schicksal bleibt über dem Film hängen, aber nicht auf bathische Weise. Wenn überhaupt, verhindert das allgemeine Wissen über Larsons tragischen frühen Tod (an einem nicht diagnostizierten Zustand), dass sich der Film und die Aufführung in ihrer jugendlichen Angst um das 30. Lebensjahr übermäßig nachsichtig fühlen... eine weit verbreitete Angst, die sich für jeden auf der anderen Seite dieser willkürlichen Zahl immer lächerlich anfühlt. 

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Garfields herzlicher Auftritt wird von einem wunderbaren, warmen Ensemble tatkräftig unterstützt. Judith Light ist in ihren kurzen Szenen als Larsons Agentin normalerweise unterhaltsam und Bradley Whitford macht lustige Sondheim-Mimikry. Aber das Herz und die Seele des Stücks, wenn Garfield der Körper ist, sind Alexandra Shipp (Love Simon), zurückhaltend, aber prägnant als Larsons immer distanziertere Freundin Susan, und Robin de Jesus (Camp, Boys in the Band) als Larsons langjährige beste Freundin, ein out-schwuler Mann, der Stabilität und Corporate America den Künsten vorgezogen hat. De Jesus, der in diesen Gleichungen oft die extravagantere Rolle spielt, überrascht, indem er den böhmischen Überschwang des Films mit einer anderen Art von gemessener Stärke in Einklang bringt und bis zu seinen letzten kraftvollen Szenen kumulative Kraft sammelt.

Es war dieses Jahr so aufregend, nicht nur ein, sondern zwei Musicals (Hallo, In the Heights) mit einer Fülle tatsächlicher Gesangs- und Tanztalente zu sehen (Hollywood beachten Sie!). Die Musiknummern sind dadurch oft wirklich lebendig. Allerdings ist die Energie des Films und der einzelnen Szenen oft überall, was zumindest zu Larsons verrücktem Ansturm auf seine eigene unglückliche Ziellinie passt. Dennoch könnte sich dies als zu viel für diejenigen erweisen, die sich nicht von Natur aus für das Genre interessieren. Ein Beispiel für Zecke, Zecke, Boom!‘!'S zerlumptere Hyperqualität ist die Interpretation eines der besten Songs aus der Bühnenshow, "Therapie" ein Comic-Duett zwischen Jon und Susan. Im Film wird es stattdessen von Jon und der Workshop-Schauspielerin Karessa (Hudgens) von der Bühne aus aufgeführt. Ihr Auftritt steht im Widerspruch dazu, dass Jon und Susan einen Streit haben, der schon lange auf sich warten lässt. Die Filmemacher riskieren, das Publikum in beide klanglichen Richtungen zu verlieren, die inspirierte Komödie knallte erschütternd gegen das schmerzhafte Drama und umgekehrt für die Länge des Liedes. Es ist eine desorientierende und seltsame Entscheidung, aber sie wird durch ihre tragikomische Pointe gerettet und erhöht, hinterhältig mit klopfenden Fingern und echtem Liebeskummer vorgetragen.

Ausgelassen und chaotisch, anstrengend, aber lebendig, Zecke, Zecke... BOOM! ist eine freudige Party für Musiktheater-Fans. Es geht wirklich darum. Das Musical endet mit der mitreißenden Nummer "Louder than Words" die einen ziemlichen Wallop packt. In seiner temperamentvollen Verteidigung eines Lebens, das den Künsten und der Schöpfung gewidmet ist, ist es ein Tick... BOOM!‘!'s-Version von A Chorus Line's ikonischem, aber oft missverstandenem "What I Did For Love?" Der lyrische Schatz des Schlussliedes “Cages oder Wings, was bevorzugen Sie? Fragen Sie die Vögel” schlägt hart zu. Die Frage ist natürlich rhetorisch und wird mit zurückgeworfenem Kopf in den Himmel geworfen. A-