Die schönste Zeit des Jahres steht vor der Tür. Nein, nicht die Ferienzeit. Nein, nicht einmal die Preisverleihungssaison insgesamt. Es ist Zeit, sich eingehend mit den Einreichungen für den besten internationalen Film zu befassen, bevor die Komitees der Akademie die 92 Titel auf eine dürftige 15-weite Auswahlliste reduzieren, aus der das gesamte Wahlgremium auswählen wird seine fünf Nominierten. Die Liste wird am 21. Dezember veröffentlicht. Bis dahin werden wir die Angebote des Rennens untersuchen, von seinen Hauptkonkurrenten bis hin zu einer dunkeleren Auswahl. Schauen wir uns zunächst drei Titel an, die sich aus Gründen der Qualität, des Ansehens und der internationalen Kontroverse verpflichtet fühlen, die Auswahlliste zu erstellen…
SCHLIESSEN (Belgien)
© A24
Nach dem überbewerteten Fehlfeuer von Girl –, einem weiteren Gewinner von Cannes, der zu Belgiens Oscar-Einreichung – wurde, hatte ich keine großen Hoffnungen auf Lukas Dhonts zweites Feature. Obwohl Close mich nicht so beeindruckt hat wie andere Kritiker und Festivaljuroren, ist der Film ein bedeutender Schritt nach oben. Dennoch bleiben viele Probleme bestehen, einschließlich der Frage, wie der Schmerz von LGBTQ + -Jugendlichen zu einer bildbestimmenden Katastrophe gemacht wird, die alles andere verschleiert und kurz vor der Ausbeutung steht. Diejenigen, die sich nach Geschichten über queere Freude sehnen, schauen besser woanders hin, denn dieser aufstrebende Autor scheint kein Interesse an dem Thema zu haben.
In Close dreht sich die Geschichte um die intensive Freundschaft zwischen Léo und Rémi, zwei dreizehnjährigen Jungen, die auseinander zu driften beginnen, wenn ihre Bindung in der Schule unerwünschte Aufmerksamkeit erregt. Erwartungen an heteronormative Männlichkeit belasten die Beziehung stark, und Léo sucht in einem Moment der Krise nach Distanz. Mehr zu enthüllen wäre ein Nachteil für einen Film, dessen Auswirkungen auf viszerale Schocks und Verwirrung angesichts überwältigender Emotionen beruhen. Um diese Qualität zu unterstreichen, entscheidet sich Dhont für einen Stil, der nach mikrowellengekühlten Dardennen riecht.
Der Regisseur schließt seine Charaktere, bis wir in ihrer Inselerfahrung gefangen sind. Nur erleben wir ihre Welt nie wirklich, so fixiert ist der Regisseur, der jeden Mikroausdruck in den Gesichtern seiner Besetzung einfängt. Die Strategie kann zu erschütternden Szenen führen, aber ebenso oft wird der Film des visuellen Geschichtenerzählens über die Dokumentation des Handelns hinaus geraubt. Das Schicksal eines Schlafzimmers würde zum Beispiel viel härter treffen, wenn man sich als Publikum des Raums, seiner Besonderheiten, genauer bewusst wäre, und Möglichkeiten, die über das Vorhandensein als verschwommener Hintergrund für unzählige Nahaufnahmen hinausgehen.
Zum Glück sind die Schauspieler der Herausforderung gewachsen, Close mit Gustav De Awele und Émilie Dequenne (Rosetta selbst!) Auf dem Rücken zu tragen Kampf um den MVP-Titel. So beeindruckend sie auch sind, die jugendliche Hauptrolle des Bildes, Eden Dambrine, verdient besonderen Applaus. Diesen sentimentalen Sturm zu verankern, muss nicht einfach gewesen sein, aber der kleine Thespianer trifft die Herkulesaufgabe direkt und drückt effektiv Tränen aus allen Zuschauern heraus, Egal wie stoisch sie sagen mögen, dass sie – im Ernst sind, ich hörte selten so viel in einem Kino schnüffeln. Sei bereit zu weinen! B-
VERWANDTE LESUNG: Elisas Cannes-Tagebuch – Kinder sind die Zukunft?
JOYLAND (Pakistan)
© WME Independent
Über Joyland wurde viel geschrieben, nachdem es in seinem Heimatland verboten worden war. Die Entscheidung wurde seitdem nicht zuletzt dank des internationalen Aufschreis zurückgesetzt. So sehr, dass es innerhalb weniger Tage von einem geliebten, aber obskuren Festival-Liebling zu einem der am meisten diskutierten Oscar-Einreichungen der Saison überging. Dieses Maß an Aufmerksamkeit wird sich zwangsläufig auszahlen, was es zu einem wahrscheinlichen Kandidaten für Pakistans erste Einreichung in die engere Wahl macht, vielleicht zu seinem ersten Kandidaten. Es wäre keine unverdiente Ehre, da dies eines der besten Bilder des Jahres ist, unabhängig von Nationalität oder Sprache.
Saim Sadiqs Spielfilmdebüt betrifft das Schicksal der Familie Rana, eines traditionellen Haushalts innerhalb einer stark patriarchalischen Gesellschaft. Obwohl jedes Mitglied seinen Moment zum Leuchten bringt, konzentriert sich Joyland auf den jüngsten Sohn des Clans, Haider, und seine Frau Mumtaz. Auf der Suche nach der Zustimmung seines Vaters beschafft er sich einen Job, verurteilt seinen Ehepartner effektiv zu einem Leben in Hausarbeit und unterbricht ihre Bestrebungen nach Unabhängigkeit. Die Arbeit, die er bekommt, ist jedoch weit entfernt von dem, was den Patriarchen befriedigen würde. Haider wird der rhythmischste Background-Tänzer, den Sie jemals gesehen haben, und verliebt sich dabei in den Star der Show. Sie ist Biba, eine charismatische Transfrau mit großen Träumen.
Durch einen narrativen Wandteppich, der auf den ersten Blick viel größer ist als zu erwarten, bekräftigt sich Joyland als eine Rhapsodie von Empathie. Es ist auch eine Klage darüber, wie konservative Systeme das Verlangen problematisieren und es zu einer zerstörerischen Kraft machen und nicht zu dem Wunder, wie es sich anfühlt, wenn Sie derjenige sind, der von innen in Flammen steht. Unterdrückung ist somit eine Zeitbombe, und eines Tages wird sie explodieren, egal wer versucht, die Wahrheit zu leugnen, indem er sich an archaische Regeln wendet. Die Filmkamera sieht alles und ermöglicht es sich, sowohl die Schönheit der Leidenschaft als auch die Kräfte der Unterdrückung zu erkunden, während ein facettenreiches Drehbuch es jedem Charakter ermöglicht, sich selbstständig zu machen, ein Ausdruck des reinen Humanismus in Form des Kinos.
Hier sind erste Küsse wie Galaxien, die geboren werden, und die Wellen sind die Umarmung der Vergessenheit. Das einzige, was atemberaubender ist als Joe Saades Linsen, könnten die gemeinsamen Anstrengungen der Besetzung sein, die jede Person, die auf dem Bildschirm erscheint, mit bodenlosen Tiefen erfüllen. Sie werden sich in diesen Leuten verlieren. Oh, wie du lernen wirst, diese Charaktere, Fehler und alles zu lieben. Und oh, wie wirst du dafür leiden. Aber es gibt Ekstase gemischt mit der Qual, einem süßen Schmerz, der nach Katharsis riecht und nach filmischer Perfektion schmeckt. A-
VERWANDTE LESUNG: Nathaniel über die Nachricht vom Verbot des Films.
KLONDIKE (Ukraine)
© ArtHood Entertainment
Maryna Er Gorbachs jüngster Film wurde in Sundance und Berlin ausgezeichnet, bevor der Krieg in der Ukraine zu einer umfassenden Invasion der russischen Streitkräfte führte. Nach den Ereignissen vom 24. Februar und allem, was seitdem passiert ist, gewinnt Klondike nur an Bedeutung, seine Bedeutung wird durch eine anhaltende Tragödie erhöht, die keine Anzeichen eines Unterlasses zeigt. Schließlich geht es beim Film darum, die Trostlosigkeit des Lebens während des Krieges darzustellen, noch bevor der Rest der Welt bereit war, das Ausmaß des Geschehens zu erkennen. Nicht, dass Gorbach sich auf Fragen der Staats- oder Machtverhandlungen auf globaler Ebene konzentriert.
Stattdessen kristallisiert Klondike die Erfahrung einer Nation durch häusliche Synekdoche, eine Geschichte, die mit bedrohlicher Symbolik klingelt. Die Erzählung zeigt das Leben eines ukrainischen Paares, das im Sommer 2014 in der Nähe der russischen Grenze lebte, als grenzüberschreitender Beschuss Häuser auseinander riss, während katastrophale Unfälle die Landschaft zur Hölle auf Erden machten. Dies war eine steile Zeit nach der Annexion der Krim und genau zu der Zeit, als die russischen Truppen aggressiver wurden, was die Ukraine dazu veranlasste, den Umzug als direkte Invasion zu entschlüsseln.
Für die Protagonisten sind solche großen Ereignisse weniger wichtig als die viszerale Realität des Versuchs, in einer zerbrochenen Welt zu leben. Klondike ist eine Erfahrung, die von intensiven Gefühlen der Empörung, Wut auf dem Bildschirm und im Freien geprägt ist. Formalistische Strenge ist lobenswert, aber selbst das methodische Tempo fließt nach einer Weile mit zu vielen verdoppelten Ideen über. Alles fühlt sich überflüssig an wie ein Kurzfilm, der über seine ideale Form hinausgeht.
Wenn sich der Staub auf einem unvergesslichen letzten Schuss gelegt hat, die Zukunft verloren ist, fühlt man sich unglaublich besiegt, und während das der Punkt ist, ist die Taubheit, die er hervorruft, nicht – oder, wenn es so ist, sollte es sein? Wiederholung, die ungebunden mit Dunkelheit verheiratet ist, erzeugt Apathie, wie Gift für den Filmorganismus. Sicher, es gibt keine Möglichkeit, gegen Klondikes Wert als Ausdruck unserer Zeit zu argumentieren, gegen seine Dringlichkeit und Wichtigkeit, die Wut, die durch seine Adern fließt. Als Stück Erzählkino ist seine Qualität jedoch weniger sicher. B-
