In diesem Monat steht Kwaidan im Mittelpunkt, der Masaki Kobayashi-Klassiker, der als erstes bedeutendes Beispiel für japanisches Entsetzen das internationale Publikum erreichte. Sie können Kritiker Grady Hendrix finden, der die Anthologie von 1964 im Streaming-Dienst untersucht, aber das ist bei weitem nicht der einzige Grund, warum Sie sie sich ansehen sollten. Kwaidan sammelt vier Geistergeschichten, die zusammen filmische Gedichte von hinreißender Schönheit bilden. Kein Wunder, dass Kobayashis Film The Film Experience seit Jahren verzaubert. Dancin 'Dan hat einmal über Kwaidan für die Oscar Horrors-Serie geschrieben, Nathaniel und Juan Carlos haben es in Podcast-Form besprochen, und ich habe seine Kostüme für eine idealisierte Oscar-Abstimmung hervorgehoben.
Trotzdem ist es nie ein falscher Zeitpunkt, Kwaidan zu überdenken, sich in seiner visuellen Pracht erneut zu verlaufen...
Lassen Sie uns das tun und eine Sammlung von Aufnahmen übergießen, die die Arbeit des Kameramanns Yoshio Miyajima, des Art Director Shigemasa Toda und des Kostümdesigners Masahiro Katô zeigen. Wenn Sie den Film nicht gesehen haben, werden Sie hoffentlich davon überzeugt sein, ihn auszuprobieren.
In Anlehnung an die Arbeit von Lafcadio Haren, der Anfang des 20. Jahrhunderts erstmals japanische Märchen in gedruckter Form aufnahm, teilt sich Kwaidan in die oben genannten vier Geschichten. Jedes stellt vage eine Jahreszeit dar und verleiht seiner quartettartigen Struktur einen Hauch natürlicher Ordnung. Die Natur wird aber auch durch offensichtliche Falschheit abgelehnt. In jedem Rahmen eines Gemäldes leuchtet der Film mit bewusster Kunstfertigkeit und einem Hauch von theatralischem Flair. Nichts sieht echt aus, und selbst die wenigen Einblicke in eine Welt außerhalb der Schallbühne (eigentlich ein wiederverwendeter Flugzeughangar) erscheinen in Tohoscope gerahmt, um den Sinn für Bühnenkunst hervorzurufen.
Kwaidan stellt ferner eine Abkehr von seinem Regisseur dar, der sich bis dahin mit sengenden Stücken des politischen Kinos einen Namen gemacht hatte, Dramen, die von Empörung und Flammen der Wut entzündet wurden. Hier wird der Realismus dieser ersten Filme am Altar der alten Tradition geopfert, wodurch Mechanismen des japanischen Theaters und des jahrhundertealten Geschichtenerzählens in den Vordergrund gerückt werden. Das schließt interpretative Entscheidungen ein. Betrachten Sie die Schauspieler, die sich durch diese Räume bewegen, als etwas mehr als präzise Noh-Thespianer. Sie ähneln Bunraku-Puppen, die vom Filmemachermeister in die richtigen Posen manipuliert wurden. Es ist schön, aber unmenschlich, denn die Schönheit selbst ist ein Kanal in die andere Welt.
Nicht, dass du das sofort wüsstest. Für den 1964 teuersten japanischen Film, der jemals gedreht wurde, beginnt Kwaidan mit überraschender Demut und nicht mit einem Hauch von szenografischer Üppigkeit. An seiner Stelle wird Tinte auf Wasser verschüttet, die sich wie Rauchwolken in der Atmosphäre auflöst. Von Schwarz gehen wir zur Farbe über und kündigen die Bedeutung des chromatischen Ausdrucks im folgenden Bild an. Passenderweise hat die erste Geschichte eine Farbe im Namen, obwohl es sich eher um Porzellantinte als um Regenbogenseide handelt.
"The Black Hair" dreht sich um die Ambitionen von Männern, die Frauen als Sprungbrett auf ihrem Weg betrachten, eine soziale Kritik, die einen Reim aus zwei Ehen umfasst.
Architektur spielt eine zentrale Rolle und kristallisiert die Idee der Zeit als grausame Berührung, die alles zersetzt, was ihr begegnet. Und doch ist es besser, eine zerbrechliche Sache zu sein, die von der Zeit verwüstet wird, als kalt und unbeweglich zu sein, denn es gibt eine andere, andere Grausamkeit als die, die die Auswirkungen der Zeit leugnet. In einer Unterkunft, die zum Spukhaus wurde, gibt es mehr Komfort als die unberührte Qualität des Adelsraums. Am Ende ist die Ewigkeit der Ort des Wahnsinns. Und in Trance lernen wir diese Lektionen, die von einer gemessenen Trittfrequenz und atemberaubenden Sehenswürdigkeiten in Hypnose eingelullt werden.
Während wir die folkloristischen Schwierigkeiten mit einer anderen Geschichte fortsetzen, leuchten die Augen am Himmel, bitterer Winter, verkörpert durch einen kosmischen Blick, vielleicht Kwaidans denkwürdigsten Spezialeffekt. Bei anderen Gelegenheiten wird die Kulisse noch gefälschter, ein Sonnenuntergang, der durch nebeneinander stehende Rechtecke wie blockige Pinselstriche definiert wird. Kobayashis Ausbildung zum Maler ist in voller Blüte und auf der ganzen Leinwand ausgestellt.
"Die Frau des Schnees" ist eine Tragödie männlicher Schwäche, vielleicht männlicher Arroganz, denn sie hängt von einem Mann ab, der sein Glück zerschmettert, nur weil er seine Neugier nicht kontrollieren kann, sein Misstrauen. Gebrochene Gelübde spiegeln sich natürlich in all diesen Geschichten wider. Dieser beginnt in tödlicher Kälte, als sich zwei Holzfäller in den Wald wagen, wo sie auf ein Yuki-onna treffen und sich später zu einer goldenen Romantik entwickeln, die zum Ruin bestimmt ist.
Midorika Michio war die Farbberaterin des Bildes und arbeitete mit den Regisseuren und anderen Kreativen zusammen, um den meisterhaften Look des Films zu formulieren. Kein anderes Kapitel zeigt ihr Genie besser als dieses zweite, in dem das Feuer der Dämmerung, das kalte Gelb der Wintersonne, und das variable Blau der spektralen Erscheinung verwandelt den Bildschirm in gesättigtes Aquarell. In der Tat definiert das Aufkommen eines azurblauen Lichts den Schrecken in der Geschichte und bricht die Glückseligkeit mit einem Todeskuss, der über das Sterben hinausgeht.
"Hoichi the Earless" ist das dritte Kapitel und praktisch ein Spielfilm, der auf beiden Seiten von Kurzfilmen umrahmt wird. Darüber hinaus werden Themen angesprochen, die denjenigen bekannt sind, der kürzlich das lebhafte Wunder Inu-Oh gesehen hat. Es ist die Geschichte eines blinden Biwa-spielenden Mönchs, der von jenseitigen Stimmen heimgesucht wird. Sie sind die Geister des Taira-Clans, die vor Jahrhunderten im Seeschlacht von ihrem Feind besiegt wurden. Jede Nacht wird er ins Jenseits gebracht und spielt für den Spektralplatz im offensichtlichsten Augenzwinkern des Films in Richtung Bühnentradition.
Es ist die Störung der Theatergeometrie, die wahren Horror hervorruft, Leichen, die die Linien durcheinander bringen, tanzende Flammen, die innerhalb der Rahmen über die Rahmen schneiden. Wenn Blut vergossen wird, ist dies eine weitere Störung der strengen Inszenierung. Sie sehen, trotz der Zugehörigkeit zum Horror-Genre will Kwaidan sein Publikum nicht erschrecken. Es will jedoch die Existenz zweier Welten verunsichern - der des Fleisches und der der Geister. Sie sollten sich niemals vermischen.
Schließlich findet "In a Cup of Tea" viel später als alle späteren Geschichten statt und kommt dem 20. Jahrhundert näher als jeder seiner Brüder. Es ist auch das kürzeste und am meisten für meta-textuelle Lesungen geschickte, da es sich um einen Folkloreforscher handelt, der von der fragmentierten Natur der Geschichten, die er studiert, verärgert ist. Logischerweise ist die erzählte Geschichte durch das Design des Regisseurs unvollständig und dreht sich um eine realistischere visuelle Sprache, die nur durch stilisiertes Licht wirklich verletzt wird. Und so bedeutet ein Blick in Kwaidan, in den Abgrund zu springen, in die Dunkelheit des Jenseits, in dieses schöne Jenseits.
