Sehr geehrter Leser, wenn Sie meine relative Abwesenheit in diesen frühen Tagen des Monats Mai bemerkt haben, kann ich mich nur entschuldigen. Ich war mit der 20. Ausgabe des IndieLisboa-Filmfestivals in der portugiesischen Hauptstadt beschäftigt. Die Veranstaltung ist eine große Angelegenheit für die Feier des nationalen und internationalen unabhängigen Kinos mit mehreren Wettbewerbsabschnitten und Preisen am Ende. Der diesjährige Gewinner des internationalen Wettbewerbs war Juraj Lerotic's Safe Place, über den ich letztes Jahr bei der Überprüfung verschiedener Beiträge zum International Film Oscar geschrieben habe. Andere Titel sollten der Leserschaft von The Film Experience weniger vertraut sein. Dies scheint eine hervorragende Gelegenheit zu sein, Empfehlungen abzugeben und einige raffinierte Filme bekannt zu machen.
Von einem unscharfen Hong Sang-soo-Experiment bis zu einer umfangreichen Retrospektive von Jan Švankmajer, von Shorts bis hin zu Features, bildeten etwas mehr als 300 Filme das Programm des Festivals. Nachdem ich ungefähr ein Drittel davon gesehen habe, sind hier zehn Highlights…
SCHLECHTES LEBEN / LEBEN SCHLECHT, João Canijo
Das neueste Projekt des portugiesischen Regisseurs João Canijo, das als verbundenes Diptychon präsentiert wurde, erwies sich als siegreich (und kontrovers) im nationalen Wettbewerb des Festivals. Wohlgemerkt, dies war nicht der größte Sieg in seinem Repertoire, seit der erste Teil, Bad Living, von Kristen Stewarts Berlinale-Jury mit dem Silbernen Bären ausgezeichnet wurde. In dieser früheren Passage wird das Leben von fünf Frauen betrachtet, die in einem Hotel in Familienbesitz irgendwo an der nordportugiesischen Küste arbeiten. Der letztere Titel zeigt aus Sicht der Gäste dieselbe Periode und teilt sich in drei Teile, die jeweils lose aus einer anderen Strindberg-Geschichte adaptiert sind.
Wie man aus den Titeln vermuten sollte, sind Bad Living und Living Bad keine freudigen Angelegenheiten. Stattdessen handelt es sich um Erkundungsmissionen in die dunkelsten Tiefen der menschlichen Seele, wobei der Schwerpunkt auf den zerbrochenen Beziehungen zwischen Müttern und Töchtern liegt. Familiäre Verwerfungslinien regieren alle, ebenso wie ein Gefühl von Egoismus und Selbstsabotage, das von allen Charakteren erlebt wird, Seien sie jemand, der in einem Brunnen bodenloser Depression gefangen ist, oder ein monströser Manipulator, der seine Nachkommen als Vampir betrachtet, könnte sein bevorzugtes Opfer ansehen. Es ist verzweifeltes Zeug, traurig bis zum Nihilismus, ein Melodram, das sich in eine klassische Tragödie hineinrollt.
Obwohl diese letzteren Wörter wie eine Ausgrabung klingen mögen, sind sie nichts dergleichen. Es gibt eine Strenge in der Konstruktion des Films, die die Möglichkeit der Ausbeutung untergräbt. Vieles hat mit Formalismus zu tun, einem offensichtlichen Fokus auf die narrativen Eigenschaften des Sounddesigns und einer scharfen Kinematographie, die das Hotel zu einem schönen Gefängnis, einem Fegefeuer und einem Aquarium machen will. Wie in den meisten der besten Filme von Canijo definiert die Besessenheit des Regisseurs mit Schauspielern jedoch Bad Living und Living Bad. Es ist ein aktressexuelles Fest unzähliger Freuden mit herausragenden Arbeiten portugiesischer Thespisjünger wie Anabela Moreira, Rita Blanco, Leonor Silveira, Beatriz Batarda und vielen anderen. Was für eine Besetzung!
CIDADE RABAT, Susana Nobre
Obwohl es nie die internationale Anerkennung erhalten hat, die es verdient hat, bin ich ein großer Fan von Susana Nobres vorherigem Spielfilm Jack's Ride, der 2021 bei der IndieLisboa Premiere hatte. Als ich ihren neuesten Film betrat, schwankte mein Geist mit großen Erwartungen, einige trafen Cidade Rabat, andere umgingen geschickt. Fiktion, die aus Sachbüchern geboren wurde, kehrt zurück, obwohl es diesmal mit einer memoiristischen Wendung einhergeht, während der Regisseur die persönliche Geschichte entwendet, um die Notlage ihres Protagonisten zu konkretisieren. Sie ist Helena, eine Produzentin, die zu Beginn der Erzählung Nachrichten über den Tod ihrer Mutter erhält, während sie an einem Filmset arbeitet, und sich bald mit diesem Verlust befasst.
Die episodische Leistung der Porträtmalerei mag zunächst nach einem inspirierten Prolog trivial erscheinen. Dennoch schafft die Anhäufung von Details ein Gefühl vorübergehender alltäglicher Poesie, ähnlich wie einige der besten Filme von Chantal Akerman.
UNSER KÖRPER, Claire Simon
Trotz Wiseman-ähnlicher Rhythmen und eines Fly-on-the-Wall-Ansatzes beinhaltet Claire Simons neuestes Dokument auch ein wenig autorisches Selbsteinfügen. Nicht, dass die französische Regisseurin jemals versucht hätte, den Film über sich selbst zu machen, Die Frau hinter der Kamera als eine andere in einem riesigen Wandteppich der Menschheit zu positionieren, der sich in der Abteilung für Geburtshilfe und Gynäkologie in einem Krankenhaus in der Nähe von Père-Lachaise zusammenschließt. Durch sie und viele andere Fälle, kleine Fragmente von ansonsten unerforschten Leben, meditiert Simon über die Dynamik von Arzt und Patient und was manchmal, fühlt sich wie der gesamte Umfang der menschlichen Erfahrung an, wie sie durch die Krankheiten des Organismus erzählt wird.
Die Struktur des Films beginnt auf dem Friedhof und endet in Hoffnung. Sie erstreckt sich von Teenagern bis zu denen am Abgrund des Todes, von denen einige versuchen, Eltern zu sein, andere suchen das Ende einer Schwangerschaft. Es geht von den frühen Tagen des Übergangs bis zur selten gesehenen Realität von Trans-Menschen, die das mittlere Alter und darüber hinaus erreichen. Es ist ein Epos, ein Zeugnis, ein Muss, der später in diesem Jahr in den amerikanischen Kinos ankommt.
IN UKRAINE Tomasz Wolski & Piotr Pawlus
Die Beobachtungsdokumentation kann viele Formen annehmen und verschiedene Zwecke innerhalb ihres Modells umfassen. Nehmen wir das Beispiel von In Ukraine, einer polnischen Produktion, die darauf abzielt, die alltäglichen Realitäten zu beleuchten, die nicht in Nachrichtensendungen erscheinen, die über die russische Invasion und den militärischen Widerstand des ukrainischen Volkes berichten. Bestehend aus sonnenverwöhnten Ausblicken und fragmentierten Körpern, entweder entfernt oder zu nahe, um Individualität zu ermöglichen, Der Film ist eine Sammlung von Postkarten, auf denen bukolische Eigenschaften Hand in Hand mit der Art von Narben leben, die man von einem aktiven Kriegsgebiet erwartet.
Wunderschöne Breitbildaufnahmen wecken die visuelle Schönheit, während eine kalkulierte Dekontextualisierung uns auffordert, die Quotidian-Banalität am Rande des Grauens zu berücksichtigen. In Abwesenheit wird das, was die Landschaft trübt, Leben bricht und beendet, zu einem schwarzen Loch außerhalb des Bildschirms, dessen Anziehungskraft viszeral spürbar ist, ohne dass Didaktik erforderlich ist.
INCIDENT, Bill Morrison
Während einige Filmemacher Gewalt in ihren Folgen darstellen und Potenz in der Leere finden, arbeiten andere in Bezug auf Unmittelbarkeit und Direktheit. Dies ist der Fall bei Bill Morrison, dessen jüngster Kurzfilm Split-Screen und eine Vielzahl von Überwachungs- / Bodycam-Aufnahmen verwendet, um die Polizeischüsse eines Schwarzen in Chicago, 2018, darzustellen. Der Regisseur löst seinen Rohstoff aus dem öffentlichen Archiv und schafft eine kraftvolle Erfahrung, die Sie trotzdem verunsichert, empört, vor Wut brodeln und mit gebrochenem Herzen zurücklässt. Wir sehen die Funktionsweise automatischer Ausreden und institutioneller Vertuschungen, wobei sich die Wut der Gemeinschaft gleichzeitig auf rassistische Denkweisen auflöst, die darauf abzielen, das Geschehene zu rationalisieren.
Es ist kein leicht zu sehender Film, der Momente des wirklichen Todes enthält, einen beharrlichen Blick auf den Körper, der das Adrenalin temperiert, die pikrische Aktualität des Lebens, das immer an vorderster Front verloren geht. Es ist jedoch ein wichtiger Film, sowohl als politisches Kunstwerk als auch als Schaufenster für die Kraft der Bearbeitung zu sehen, was er für die Wahrnehmung und Verarbeitung von Schock tun kann.
TRENQUE LAUQUEN, Laura Citarella
Im Vergleich zu El Pampero Cines dreizehnstündigem Grand Opus La Flor fühlt sich der mehr als vierstündige Trenque Lauquen positiv klein an, eine Kleinigkeit eines Films, der von einem Großteil desselben Teams gedreht wurde und eine ähnliche Förderung der formverändernden Fähigkeiten des narrativen Kinos aufweist. Trotzdem wird die Geschichte von zwei Männern, die nach einer vermissten Frau suchen, bald zu einer Abhandlung über das Geschichtenerzählen. Es ist auch eine scharfe Dissektion der Neugier, die dem Leben innewohnt, wie ein Geheimnis eine Quelle des Vergnügens und des Zwecks sein kann, manchmal eine Ablenkung, aber oft eine Möglichkeit, seinen Platz in der Welt zu finden. Das Bild ist in zwei Teile unterteilt, um eine zugänglichere Theaterpräsentation zu erhalten. Es zeigt ein kosmisches Kaleidoskop, das sich in Sichtweite versteckt.
Als sich die neugierige Frau selbst in Neugier verwandelte, eine Wahrheitssucherin, die die Wahrheit sein soll, die alle anderen suchen, ist Laura Paredes genauso rutschig wie der Film, den sie gemeinsam mit der Regisseurin Laura Citarella geschrieben hat. Es ist eine Figur für die Ewigkeit, obwohl es sich wie eine Lüge anfühlt, sie so einfach wie "Charakter" zu nennen. Trenque Lauquen ist zu groß für solche geschlossenen Definitionen. Gefangen in ewiger Metamorphose, wird die Geschichte von Laura Sie am Theater vorbei und in Ihre Träume verfolgen.
AMIKO, Yusuke Morii
Das Kino hat die Vorstellung einer dysfunktionalen Familie lange Zeit zur Ware gemacht und in den Kuriositäten derer, die durch Blut und Liebe gebunden sind, leuchtenden Humor gefunden. Manchmal, wenn sie Kunst aus komplizierten Realitäten heraus formten, glätteten ihre gezackten Facetten in einer Geste unwissender Vereinfachung. Amiko lehnt diese Vorstellung ab. Amiko ist ein Film und ein Mädchen, das neurodivergente Heroin von Natsuko Imamuras Novelle, wurde so zu einem stacheligen Kino. Es ist ein Film, der hoffnungsvollen Trotz vorschlägt, selbst wenn er eine gnadenlose Faust um das Herz des Publikums legt, die Probleme einer von Sorgen befallenen Familie artikuliert und unter dem Druck der Trauer allmählich zusammenbricht.
Es wäre einfach, jemanden zu finden, auf den man in dieser Geschichte mit einem anklagenden Finger zeigen kann. Es wäre jedoch nicht richtig oder in Übereinstimmung mit dem Film. Immerhin gehen Morii und seine Besetzung in großem Umfang, um die Offenheit ihres Titelcharakters zu verkörpern. Sie hält verzweifelt am Glück fest, während die Welt leise brennt. Dies bedeutet, dass eine einfache Katharsis verweigert wird, ebenso wie die Erzählmodelle, die sie hätten erleichtern können, die formalen Tricks, die ein Lächeln hätten erzwingen können, wo keines hingehört. Und so blüht Ehrlichkeit durch Amiko, Dornen und alles, dessen Wurzeln so qualvoll sind wie gelegentlich. Ein nicht überzeugendes "Mir geht es gut!" mit einem zahnigen Lächeln geschrien ist die perfekte Schlussfolgerung.
MUSIK, Angela Schenelec
Music, Gewinner des Drehbuchpreises des neuesten Berlinale-Hauptwettbewerbs, ist ein unorthodoxer Dreh zum alten Mythos. Modernisierungen sind seit jeher ein Dutzend, aber nur wenige Filmemacher haben die Eigenschaften einer mythologischen Handlung so geschickt genutzt wie Angela Schenec. In ihren Händen wird die Geschichte von Ödipus zur Grundlage für den Bau eines filmischen Gebäudes aus sepulchraler Stille und schrägen Änderungen, eine Erfahrung, in der Form zustande kommt
