Ob Dokumentarfilm oder Fiktion, Pietro Marcellos Filme vermitteln immer die Qualität von Kunstwerken, die irgendwo zwischen Moderne und und undefinierter Vergangenheit verloren gegangen sind. Der vielgelobte Martin Eden aus dem Jahr 2019 hat diesen Aspekt auf den Höhepunkt gebracht, Hervorrufen der spürbaren Authentizität des neorealistischen Kinos beim schnellen und lockeren Spielen mit der Geschichte in seinem Design. Die Beziehung dieses Films zur Vergangenheit umgeht die reaktionäre Nostalgie. Die anachronistische Szenografie deutet auf ein atemporales Milieu hin, das die poröse Membran durchbricht, die die Periode der Erzählung und den Sinn des Betrachters für jetzt trennt. Dies unterstrich die politischen Gesten des Stücks weiter und verwandelte die Retrospektive in eine direkte Adresse. Im Vergleich dazu stellt Scarlet ein konventionelleres Objekt dar, obwohl es viele Eigenschaften mit seinem Vorgänger teilt.
Scarlet ist wie Martin Eden eine literarische Adaption, die auf Europa in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zurückblickt. Der Rohstoff ist Alexander Grins Novelle Scarlet Sails von 1923, die einst vom sowjetischen Filmemacher Alexandr Ptushko auf die Leinwand gebracht wurde. In Marcellos Film wird die russische Kulisse in die ländliche Normandie übertragen…
Die Geschichte beginnt mit dem Ende des Ersten Weltkriegs. Archivmaterial verankert Scarlet in der Realität eines Kontinents, der sich selbst rekonstruiert, blutige Narben, die so weit das Auge reicht über das Land gerissen sind. Einer der Männer, die nach Hause zurückkehren, ist Raphaël, obwohl er kein Zuhause hat, das auf ihn wartet. Stattdessen folgen wir dem Soldaten, während er nach einer zurückgelassenen Frau sucht, von der sich eines in den schwierigen Jahren des Konflikts unwiderruflich verändert hat. Leider ist sie weg, ihre Erinnerung wurde von einem mittellosen Landbesitzer am Leben erhalten, der sich um Juliette gekümmert hat, die Tochter der verstorbenen Frau mit Raphaël.
Nachdem Raphaël beschlossen hat, sie großzuziehen, bleibt er im Dorf. Als erfahrener Holzarbeiter versucht er, einen Job in der örtlichen Werft zu finden, aber Konflikte mit einem der Führer der Gemeinde erweisen sich als sein Untergang. Und doch bleibt das Versprechen des jungen Jahrhunderts hell. Die Talente, die zum Schnitzen von Spielzeug umgeleitet werden, werden von Raphaël regelmäßig in die nächstgelegene Stadt reisen und oft die kleine Juliette mitbringen, die wie ihr Vater immer als Außenseiter gilt. Das Leben geht weiter, die 1910er Jahre bluten bis in die 20er, 30er Jahre und die Welt verändert sich.
Abgesehen von Juliettes Alterung - dem Wechsel der Schauspielerinnen während des Wachstums - gibt es in den Designelementen des Bildes kaum Anzeichen für den Lauf der Zeit. Kurze Einblicke in das Stadtleben deuten auf eine Veränderung der Mode hin, aber die pastorale Existenz des Charakters stagniert, als ob seit dem Ende des 19. Jahrhunderts alles gleich geblieben wäre. Es gibt ein viszerales Verständnis der Klassenunterschiede in diesen kontrastierenden Sehenswürdigkeiten, aber man stellt auch fest, dass das Fehlen von Modernität die Ausdauer des Aberglaubens ermöglicht. Die Stadtbewohner glauben an Hexen, und der Film stimmt ihnen unverbindlich zu.
Scarlet verschleiert Juliettes Paria-Status in Mystik und kapituliert niemals direkt vor der märchenhaften Logik. Stattdessen neckt es. Nicht, dass Marcello grundsätzlich gegen solche Transformationen ist und seinen Film nach einem Grundsatz allmächtiger Vorstellungskraft konstruiert, in dem sich die Kreation des Handwerkers nicht so sehr vom Fantasy-Making des Geschichtenerzählers unterscheidet. Betrachten Sie ein repariertes Klavier, das dazu dient, mehr von Raphaëls Vergangenheit zu beleuchten und Juliette das Geschenk der Musik – zu geben, die wunderschön in Gabriel Yareds Partitur integriert ist. Ihr Gesang zwingt den Film manchmal zum intermittierenden Musical. Auf einer anderen Ebene erweisen sich Vorhersagen von Waldkronen, die am Fluss lauern, als prophetisch und verwässern den Halt des strengen Realismus gegenüber unserer Geschichte weiter.
Sie bieten eine weitere Möglichkeit zur Mutation. Diesmal kein Musical, das aus kindlichem, langem, aber romantischem Träumereien stammt und bereit ist, in den Horizont zu fliegen. Die Möglichkeit eines Wandels in einer Welt offensichtlicher Stasis am Leben zu erhalten, wird zum primären Ethos, das Scarlet vorwärts bewegt und in einem Register arbeitet, das vollständig von der Charakterpsychologie getrennt ist, stattdessen auf die allgemeinen Launen der Geschichte abgestimmt. Es ist die Einfachheit einer Fabel, die mit dem modernistischen Rand eines Filmemachers verbündet ist, der Tradition mit Innovation verbinden möchte. Dies zeigt sich am deutlichsten in der Kinematographie.
Marcello und sein neuer DP Marco Graziaplena erinnern sich an den Zelluloid-Ruhm von Martin Eden, obwohl das Thema mit einer malerischen Wendung seiner Farbgeschichte viel bukolischer ist. In Scarlet ist die Luft rauchblau, die Wärme der Sonne betritt den Bildschirm und das Theater. Rot manifestiert sich in brillantem Rubin, der wie eine ungebundene Leidenschaft zu lodern scheint. Wenn Sie sich den Film ansehen, ist das projizierte Bild ein Fenster in filmische Träume, so wunderschön, dass Sie spüren, wie sich Ihr Herz hebt. Aber natürlich muss diese umwerfende Schönheit durch die Rauheit des Landlebens und die Realitäten des praktisch mittellosen Lebens ausgeglichen werden, die Schmerzen der Arbeit, die zusammen mit ihrem Adel anerkannt werden.
In diesem Fall mildert der neorealistische Instinkt die Magie und erhöht paradoxerweise ihre Kraft. Die Gesichter des Schauspielers sind direkt aus Pasolini und sorgen für einen Wandteppich der Menschheit, dessen Fleisch sich in unserer Zeit unberührt anfühlt. Ein Proletariatsgeist, der zu herzzerreißender Sanftmut fähig ist, der dünn geschriebene, aber exquisit gespielte Raphaël verkörpert so das konzeptionelle Rückgrat von Scarlet. Juliette hingegen schwebt über dem bewohnten Milieu. Sie nimmt unsere Hand und trägt Film und Publikum gleichermaßen in eine hauchdünne Romantik, die das Versprechen einer besseren Zukunft lebendig hält. Selbst in Härte gedeiht die Hoffnung, die Kunst lebt weiter und morgen wird sie über uns fliegen und den Himmel scharlachrot aufschneiden.
