Für diejenigen, die die Preisverleihungssaison als Feier des Kinos und nicht nur als langer Weg zur Oscar-Bühne verfolgen, können die Film Independent Spirit Awards eine Fundgrube nächtlicher Überraschungen darstellen. Letztes Jahr verursachte keine Wahl mehr Schock als eine einzige Nominierung für unseren Vater, den Teufel in bester Eigenschaft. Für die meisten kam dieses Regiedebüt der kamerunischen Filmemacherin Ellie Foumbi aus dem Nichts. Zu dieser Zeit war es ein oft vergessener Titel mit geringen Hoffnungen auf eine kommerzielle Veröffentlichung, die seit 2021 die Festivalrunden gemacht hatte und dabei einige jurierte Preise gewann. Rückblickend hat die Spirit-Nominierung ihre Magie vollbracht, und jetzt, Unser Vater, genießt The Devil eine begrenzte Veröffentlichung in amerikanischen Theatern.
Es gibt Grund zur Freude, denn Foumbis Film ist nichts weniger als ein schauspielerisches Schaufenster. Es enthält zwei der faszinierendsten Aufführungen des Jahres, zwei verzinkte Kurven, die bereit sind, die Zuschauer bis ins Mark zu erschüttern…
Auf der Leinwand groß projiziert, können Gesichter zu Denkmälern werden, die in ihrer Schönheit beeindruckend sind, entmutigend ausdrucksstark, manchmal sogar furchterregend. Landschaften aus Fleisch und Blut, die in Knochen geformt sind, scheinen ein mysteriöses Licht mit blickenden Augen und können ebenso geheimnisvoll sein wie Identifikation. Es ist oft an der Schnittstelle dieser beiden Qualitäten, dass die aufregendsten Gesichter der siebten Kunst gedeihen und das Publikum hereinziehen, während sie in Frage stellen, was sie an sich erkennen. Einige der besten Regisseure der Filmgeschichte lernten, diese Macht zu nutzen und ihre Projekte in Tempel der Anbetung des menschlichen Gesichts zu verwandeln.
Betrachten Sie Bergmans Kader unvergesslicher Schauspieler, Dreyers Jeanne d'Arc, die Caravaggio-ähnlichen Tassen von Pasolinis Kino. Erinnern Sie sich an die verblüffende Saint Omer im letzten Jahr und an die lebhafte Konfrontation, die Alice Diop durch das Quadrieren von zwei Nahaufnahmen inspiriert hat, ein kurzes Treffen mit Blicken auf das Drama im Gerichtssaal. Während Ellie Foumbis Debütfilm nicht so hoch ist, gibt es viel zu bewundern, besonders wenn die Regisseurin ihren Schauspielern vertraut, um den Bildschirm zu domestizieren. Wenn das passiert, verbrauchen ihre Lichtjalousien, ihre Dunkelheit. Sie verschlingen uns, die zusehen, wie sie die Bedeutungsminen in jeder Person plündern, fiktiv oder real, monströs oder auf andere Weise.
Alles begann in Südfrankreich entlang der Pyrenäen, wo Marie in einem Altersheim arbeitet und ihre Pflichten als Köchin und Betreuerin erfüllt, Freundschaft mit einer freundlichen Bewohnerin finden, die ihre Liebe zum Essen teilt. Unter der Oberfläche lauern jedoch Sinnesgeheimnisse. Zufällig ist unsere ( Anti ) -Heldin ein Überlebender des immensen Grauens, ein afrikanischer Flüchtling, der an PTBS leidet, die sie geschickt vor dem All verbirgt. Ihre Mitarbeiter scheinen nicht klüger zu sein, getäuscht von der Maske der Funktionalität, die die Dinge täglich einfacher macht, aber auch ihren Träger zur Einsamkeit verurteilt. Auch in Gesellschaft von Arbeitskollegen und Liebhabern ist Marie in Selbstabgeschiedenheit gehüllt.
Nehmen wir nicht an, sie ist das Bild einer gebrochenen Frau oder einer Art Zeitbombe, die bis zu einer Explosion tickt. Obwohl Foumbi später vor Thriller-Stylings kapitulieren wird, kehrt die Genre-Übung zu einem offenen Porträt dieser ersten Salvos zurück, wenn die Normalität unmittelbar vor dem Bruch hergestellt wird. Der anregende Vorfall ist die Ankunft eines neuen katholischen Priesters in der Gemeinde, eines afrikanischen Einwandererkollegen, der ihn anruft. Unser Protagonist bläst ihn jedoch mit einem anderen Namen. In ihren Augen ist er Sogo, der Kriegsherr, der ihre Familie getötet und die junge Marie brutalisiert hat, einen Kindersoldaten zu packen.
Terrorblitze schlummern gewaltsam hinter den Augen des Küchenchefs. Ihr Schock führt zu starren Feindseligkeiten, bevor ein Streik irgendwo zwischen Berechnung und wildem Impuls gefunden wird. Eines Nachts schlägt sie den Mann bewusstlos und fährt ihn zu einer abgelegenen Berghütte, die Marie von ihrer ansässigen Freundin geschenkt wurde. Was einst eine zugrunde liegende Spannung in Geysiren der Gewalt ausbrach, ein bösartiger Pas de Deux zwischen Entführer und Gefangener, in dem jeder unterschiedliche Wahrheiten verkündet. In einer Sackgasse erstreckt sich die Situation über Tage, und die Unterteilung der Frau wurde auf das Äußerste gebracht, als ihr Appetit auf das Leben wieder aufwacht.
Während Rache möglicherweise kein Balsam oder keine Katharsis ist, scheint sie etwas Tiefgründiges zu heilen, nur damit die Heilung auf der ganzen Linie oberflächlich bewiesen wird. Eine solche Tragödie ist zu erwarten, und sobald die Unklarheiten der Handlung beseitigt sind, verwandelt sich Unser Vater, der Teufel, in eine Abhandlung über Vergebung. Dies korreliert mit der Inspiration der Regisseurin in der Arbeit ihres Vaters mit Überlebenden des Völkermords in Ruanda, wobei die Idee, als sisyphische Unmöglichkeit im Mittelpunkt ihres Films weiterzumachen, im Mittelpunkt steht. Leider behindern die Anforderungen eines Rache-Thrillers manchmal die psychologische Schärfe, die Notwendigkeit, das Publikum im Widerspruch zur Komplexität des Charakters zufrieden zu stellen.
Die Erinnerung ist das Schlachtfeld von Marie und Patrick's Struggle, einem inneren Schmelztiegel, der durch das Bedürfnis nach Gerechtigkeit, das niemals kommen wird, veräußerlicht wird. Erinnerung ist heißes Eisen auf der Haut und der Geist der Länder, die bei der Suche nach einer neuen Zukunft zurückgelassen wurden. Handelsräume, sie wechseln die Rollen, aber vielleicht Notizen. Und obwohl Landschaften, natürlich und künstlich gemacht, sind für die Geschichte von wesentlicher Bedeutung - Zeichen der Dissokation weg von (, aber nicht wirklich ) aus einer traumatischen Vergangenheit - sie sind fast zufällig, wenn sie Hintergrundinformationen zu Gesichtern wie der Nase von Babetida Sadjo und Souleymane Sy bilden Savane. Ja, wir kehren zu Gesichtern zurück, ihre Größe ein Segen und ein Druck auf den Film, vielleicht sogar seine ultimative Erlösung.
Was auch immer die Verknüpfungen des Drehbuchs beim Auflösen von Marie sein mögen, Sadjo gefährdet niemals die Integrität des Charakters, Sie erlaubt sich auch nicht, unpraktisch demonstrativ zu sein oder ihren Erzählbogen durch Genre-Vorschriften glatt zu polieren. Sie ist für immer knorrig, stachelig, trotzig angesichts ihres Teufels und der Kamera. Pitch-perfekt, die Schauspielerin überträgt all dieses innere Pandemonium parallel zu Scheinfassaden – an ihre Mitarbeiter, die Polizei, ihren Angreifer, der selbst zum Opfer gemacht wurde. Selbst wenn sie von unverständlicher Wut betäubt wird, spielen ihre Augen eine Schimpfe der Turbulenzen in der Gegenmelodie zu Savanes Tonverschiebungen, deren Leistungen sich ergänzen.
Seine viszerale Verzweiflung klingt kakophon und ist dennoch ideal für die Darstellung des Priesters auf dem Bild, ein chimäres Wesen, das sich ständig in die Augen des Betrachters verwandelt. In der Tat könnte der Text nicht ausreichen, um die Idee aufrechtzuerhalten, wenn die Möglichkeit des Absoluten eintritt. Es liegt also an den Schauspielern, dies wie wundersame Strebepfeiler auszugleichen und das filmische Gebäude aufrecht zu halten. Ohne diese beiden, Vater unser, könnte der Teufel den Fehlern des übergroßen Ehrgeizes eines Novizenregisseurs, der Umständlichkeit der Genre-Modelle und Klischees erlegen sein. Mit ihnen musste der Film all jenen angesehen werden, die die Kunst des Handelns lieben und in die dunkelsten Nischen der menschlichen Seele blicken möchten.
