Unter den richtigen Umständen kann ein Flüstern wie ein Schrei klingen, sanfte Liebkosungen wie Stacheldraht über die Haut. In Kôji Fukadas Kino wird ein Regiestil voller stiller Kuriositäten zum perfekten Kontext, damit solche Paradoxien wild gedeihen können. Sie lösen sich auch nie vollständig auf, ein Rätselgefühl, das bis zum Ende des Abspanns herrscht, sei es die Perversionen von Harmonium oder A Girl Missings Puzzle-Box-Plot. Für seinen neuesten Film, der jetzt in limitierter Auflage erscheint, ließ der japanische Autor die gewalttätigen Geister dieser früheren Projekte los und lenkte seine Aufmerksamkeit auf eine Prämisse, die wie leicht verdauliches Melodram klingt. Aber das hat Fukada natürlich nicht für sein Publikum auf Lager
Love Life wurde Berichten zufolge von einer romantischen Melodie inspiriert, aber sein letztes Lied klingt unfruchtbar, keine rosafarbene Lieblichkeit, die die Qual zwischen den Noten dämpft. Der erzeugte Klang ist kein singender Gesang, sondern ein erschütternder, zerbrechlicher Freudenglasbruch, bevor der erste Akt vorbei ist…
Taeko und Jiro leben in offensichtlicher Idylle, ihre Beziehung wurde nach Enttäuschung geschmiedet, was durch den Kampf möglicherweise verstärkt wurde. Aus einer früheren Ehe hat sie ihren Sohn Keita, den Jiro nicht offiziell adoptiert hat, sondern als sein eigenes Kind behandelt. Zumindest, so scheint es, auch wenn die Eltern des Mannes mit dem Arrangement weniger vertraut sind. Insbesondere seine Mutter scheint den Stand der Dinge nur zu akzeptieren, weil sie hofft, dass Taeko ihr eines Tages ein biologisches Enkelkind geben wird. Obwohl vorhanden, können diese Spannungen nicht laut gesprochen werden und schwelen stetig unter der Oberfläche des familiären Friedens. Die Männer begraben ihre Gefühle in Stoizismus. Die Frauen sind pflichtbewusst gedämpft.
In gewisser Weise ist die Situation ein Pulverfass, das auf einen Zündfunken wartet. An dem Tag, an dem wir die Familie treffen und eine Party vorbereiten, um den Geburtstag und den Sieg der kleinen Keita bei einer Brettspielmeisterschaft zu feiern, manifestiert sich die Szintilla. Es ist vollkommen schrecklich, ein plötzlicher Unfall ohne Schuldzuweisungen, keine Katharsis in Sicht. Die Ergebnisse sind jedoch nicht so feurig, wie man annehmen könnte. Das Dynamit ist nass und ruhend und brutzelt ohne Explosion. Anstatt zu schreien, scheinen die Charaktere durch das, was passiert ist, gelähmt zu sein. Ihr Status Quo ist so in Unordnung geraten, dass sie wie Hirsche im Scheinwerferlicht sind, Körper, die wie der Verstand gefroren sind, versuchen, mit den Revolutionen im Inneren Schritt zu halten.
Und das ist, bevor Taekos koreanischer Ex-Mann eintrifft. Sein Eingang markiert eines der wenigen Male, wenn das Melodram mit offenem Begeisterung brüllen darf und bald wieder in die komplizierte Stille zurückkehrt, in der die anderen Charaktere leben. Nur wird der mysteriöse Park nicht in ihr prekäres Gleichgewicht aufgenommen, was teilweise auf Kommunikationsbarrieren zurückzuführen ist. Der Ausländer kann nicht sprechen und ist auf Taeko als Dolmetscher angewiesen, der seine Worte ins gesprochene Japanisch übersetzt, auch wenn er versucht, Hilfe für seinen gegenwärtigen hilflosen Zustand zu finden. Von mehr als einer Überraschung aus ihrer Normalität geschockt, fällt die Frau neben die Figur aus ihrer Vergangenheit, die aktuelle Beziehung zu Jiro auf die Probe gestellt, auf Insellage, bis zum Feuer.
Einige würden Fukadas Charaktere beschuldigen, sich seltsamerweise auf eine Weise verhalten zu haben, die durch die Erzählung ungerechtfertigt ist und eher durch eine Regiebeeinträchtigung vorgeschrieben ist. Sobald man jedoch über die subtile Stilisierung hinausschaut, tauchen bestimmte menschliche Wahrheiten innerhalb der Seltsamkeit auf. Oft fühlt es sich so an, als wären die Leute auf diesen Bildern zu ruhig und benommen und verhalten sich bizarr, während sie sehr wenig auf das Chaos reagieren. Ich kann nicht anders, als etwas Scharfes in dieser Dynamik zu erkennen, zumal die Leute in der Filmografie des Regisseurs in Situationen gefangen sind, in denen sich extreme Emotionen wie ein logischer Endpunkt anfühlen. Und doch lehnen sie die offene Oper ab, indem sie beunruhigt auf ihr eigenes Herz starren.
Seine Filme sind ein mittlerer Punkt zwischen einem Mikroskop und einem magischen Spiegel. Fukadas Kreationen zu sehen, bedeutet, über Menschen nachzudenken, die versuchen, das Chaos ihrer eigenen Herzen zu lösen. Sie sind Ritter, die vor ihnen einer mutierenden Chimäre gegenüberstehen und intern durch diesen Kampf manövrieren. Diese Menschen leben im Widerspruch zu sich selbst und existieren in zwei Ebenen der Stimmung. Ein ätzendes, unmittelbares, tierisches und nahezu unkontrollierbares Tier, das tief im Inneren liegt. Der andere näher an der Oberfläche und in ständiger Reaktion auf das erste tiefe Gefühl. Es sorgt für ein Drama, das oft hässlich und chaotisch ist und in zwei Schritten spielt. Die Kakophonie verwandelte eine Rhapsodie der Inkongruenz.
Gleichzeitig kommt diese Dissonanz, der ganze Film erreicht ein seltsames Gefühl für die Menschheit. Es fühlt sich selten an, fast kostbar, ein Schatz schmerzhaften Ausdrucks, der ständig am Abgrund der Katastrophe schwankt. Ein falscher Schritt in Richtung oder Leistung würde dazu führen, dass die gesamte Übung in den Abgrund fällt. Der Film summt vor Risiko vom ersten Moment bis zur Ziellinie. Fukada verwaltet die bizarren Tonalchemien und erweist sich als Meister. Er hält die Dinge so formbar, dass unangenehme Komödien mit pulverisierender Notlage koexistieren können. Seine Schauspieler arbeiten auf dem gleichen genialen Niveau und springen durch Reifen, um Sinnlosigkeit zu verstehen.
Fumino Kimura ist besonders beeindruckend. Sie haucht Taekos Serpentinenreise der Seele Leben ein, durch transzendentalen Kummer, wiederholten Verrat und eine endgültige Rückkehr zurück nach früher, wo nichts mehr so sein wird wie zuvor. Eine erderschütternde Szene versickert mit besonderer Intensität in der Erinnerung. Dort erlaubt uns die Schauspielerin, den eindringlichen Anblick menschlicher Kleinheit zu sehen, die der Verzweiflung erliegt und versucht, eine flüchtige Spur dessen zu bewahren, was für immer verloren ist. Als ob das den Schmerz lindern würde. Kento Nagayama und Atom Sunada schälen ihre Rollen in vielen Schichten zurück, ohne Angst vor unpassenden Dimensionen zu haben, während die Männer in Taekos Leben davon abgehalten werden, einfache Bösewichte zu werden. Jeder Teil der Nebenbesetzung verdient Applaus, ein Ensemble, das furchtlos dahin geht, wo nur wenige Künstler mutig genug sind, um zu treten. Am Ende fühlt sich das, was sie erreichen, auf halbem Weg zwischen Schluchzen und Komfort an und ist seltsam beruhigend, wenn Sie bereit sind, die Hoffnung zu finden, die in den Reflexionen alter CDs glänzt.
